Russian Red @ Cultura Club, Palma, 29-04-2011

Escribo estas lineas con un sabor más agridulce del que esperaba para esta ocasión. No es que el concierto haya estado mal (ahora entraremos algo más en detalle) pero ha sido corto, muy corto. Seguramente el concierto más corto al que haya asistido no siendo gratuito o un festival. Y bueno, sabiendo que hay temas en el tintero, y temas buenos, y con un público reclamando a Russian Red me parece un poco feo el no volver a salir. Trato de exponer esto al principio para no acabar el post con el mismo sabor (aunque creo que me va a costar sudor y sangre no sacarlo en las conclusiones).

El concierto ha comenzado con algunos problemas de sonido en forma de acoples y desajustes de volumen y con una canción inédita, especialmente compuesta para el día de la música, y otra semidesconocida perteneciente al nuevo disco. Luego el single "I hate you but I love you", que ha sido cuando han conseguid meterme en el concierto, y "Take Me Home". El público andaba un poco disperso, con una mitad más pendiente de comentar las anécdotas del día que de escuchar el concierto. Esto hasta que ha comenzado "Cigarrettes", la cual ha levantado una tremenda ovación que ha sorprendido a la propia Lourdes Hernández y que ha sonado bastante menos edulcorada que en su versión de estudio. A partir de ahí parece que la gente ha conectado un poco más pero a ratos, especialmente en los momentos más suaves y minimalistas, que abundan bastante en las composiciones de Russian Red, el público no ha sabido enfocar su atención llegando en ocasiones a romper el clima que crea la suave y fantástica voz de Lourdes.

Ha habido un par de sorpresas muy positivas, al menos a mi gusto, en forma de temas del nuevo álbum. La primera (espero no recordar mal los nombres) fue "The Sun, The Trees" con un inicio que recordaba mucho a Belle & Sebastian (¿habrán tenido algo que ver los músicos implicados en la grabación del álbum?). La segunda "January 14th". Las dos apuntan en la linea de pop más animado  y elaborado que sugería "Fuerteventura" que, por cierto, sonó espléndida en directo. Parece que se confirma la mayor introducción de elementos alejados del intimismo propio de "I Love Your Glasses" (aunque, como demostraban otros de los temas nuevos, este elemento no va a desaparecer en absoluto). Otra bonita sorpresa ha sido la variante tocada del tema "Hold It Inside", un tema oscuro que ha sido en cierto forma condenado por la cháchara presente en parte del público. Aun así ha conseguido ser uno de los temas que más he disfrutado del concierto.

Para la anécdota, a no ser que entre en el próximo álbum como ya lo hizo "Girls Just Want to Have Fun", de Cindy Lauper, la canción final ha sido una versión de "It's a Heartache", hecha famosa por Bonnie Tyler. Bastante interesante la performación con solo la guitarra y el cambio de la voz cazallera de Tyler a la suave de Russian Red.

En general ha sido un concierto muy bonito, un poco empañado por la escasa hora tocada y por la poca integración de alguna parte del público en ciertos momentos del espectáculo. Aun así, tras el malestar inicial, prefiero quedarme con la buena actuación de los músicos y el buen hacer de la voz y el ingenio de Russian Red. Un concierto que calificaré como concierto bueno o mediocre con potencia para ser un gran concierto.

Neil Young & Crazy Horse - Music Arcade

"Broken Arrow" no es, ni de lejos, el mejor disco de Neil Young con Crazy Horse (el nivel quedó demasiado alto con "Rust Never Sleeps") pero tiene este tema que me entró muy adentro desde el principio. Lo descubrí viendo el documental filmado por Jim Jarmusch sobre la banda y Neil Young, "Year of the Horse". El film alterna imágenes de conciertos con entrevistas a los miembros donde el gran director independiente de EEUU trata de buscar cual es ese vínculo tan especial , y que produce ese asombroso sonido, que une a Neil con una banda que no está formada por grandes músicos. La película no está mal pero creo que podría aburrir a aquellos que no sean fans en excesos del mítico cantante canadiense.

El tema es sencillo pero derrocha sentimiento por todos los bordes, algo en que el maestro Young es experto. Una composición que no deja de tener un tono triste y melancólico pero que aun así habla, y se puede ver a través de la melodía de voz, de una alegria. Una alegria que es timida pero que existe y se siente en algún rincón del cuerpo. Es una felicidad que no es euforia, una felicidad que se canta y se toca bajito por miedo a romperla.

Siniestro Total - Miña Terra Galega

Ya comentaba hace un tiempo, a propósito de un tema de Kiko Veneno, como es tiene que hacer una buena versión: dándole tu propio toque, aplicándole tu sonido y reformando, reinterpretando la pieza original todo cuando sea necesario. Los Siniestro Total lo hicieron fantásticamente con "Sweet Home Alabama", un muy pero que muy clásico de Lynyrd Skynyrd. Tanto que consiguieron hacer suya la canción a la vez que creaban un nuevo himno para Galicia. Cogieron el rock setentero de Lynyrd Skynyrd, con sonidos más o menos definidos y fantásticos solos de guitarra, y lo transformaron en lo que a ellos les resultaba más cercano: el sonido de su punk-rock más simple y directo y con la grave y poco depurada voz de Miguel Costas, cantante por aquella época. Por otra parte cogieron la apología de la identidad sureña norteamericana para convertirla en un repaso de los símbolos que sostienen la gallega. Todo esto con el humor típico de la banda y con mucha, mucha jeta, que es lo que siempre ha tenido Siniestro Total.

El tema siempre estará entre los clásicos e imprescindibles de la banda, tanto a la hora de repasar su discografía, como a la hora de verlos en concierto, una experiencia que recomiendo fervientemente. Yo los he visto tres o cuatro veces ya y creo que nunca me cansaría hacerlo. Buenas canciones, humor, discursos y rock. Una fórmula inaborrecible.

Nancy Jacobs And Sisters - Meadowlands + Abdullah Ibrahim - Kramat

Ayer estuve viendo un documental en el CaixaForum donde están haciendo un ciclo titulado "Los Cantos del Alma" y que durará hasta el viernes. El de ayer me dejó fascinado. "Amandla! A Revolution in Four-Part Harmony"* ("amandla" significa poder en lengua zulú y zhosa) es un film de Lee Hirsch premiado en 2002 con el Premio de la Audiencia. en el Festival de Sundance. Trata, mediante entrevistas e imágenes de archivo, el papel de los cantos tradicionales y la música en la abolición del régimen de Apartheid vigente en Sudáfrica entre principios de 1900 (reflejado en las leyes a principios de 1950) hasta 1990, hace apenas 21 años. Miquel Cuenca, crítico músical, fue el encargado de introducir la proyección y sobre todo me quedé con uno de los comentarios que hizo. Re-actuando como la memoria me lo permite, la música por si sola no hizo caer el Apartheid pero si fue un elemento fundamental sin el cual el proceso  de lucha y represión podría haberse alargado e incluso eternizado.

Hubo dos cosas que me llamaron extremadamente la atención del film de Lee Hirsch. La primera es la capacidad de la comunidad negra para vivir los momentos de duelo mediante la música. La canción que os traigo es un muy buen ejemplo. "Meadowlands" habla de la reubicación forzada de los habitantes de Sophiatown, un importante suburbio con una gran actividad cultural, musical y social situado en Johannesburgo, hacia Meadowlands, en Soweto, dentro del territorio reservado a la comunidad negra. Es increible la melodía que sacaron en un momento de tanto pesar y tristeza como es el forzado abandono de tu tierra y tu casa. El documental muestra como la música servía en los momentos de duelo para seguir adelante y no quedar atrapados en la tristeza. De esta forma, en los momentos difíciles, incluidos los entierros, en lugar de llorar, cantaban.

La segunda es como concebían la música como un arma real, un arma que podían usar contra la policía antidisturbios encargada de reprimir las manifestaciones. El "Toyi-Toyi", importado por los soldados exiliados para el entrenamiento con guerrillas en Mozambique, se convertía en un baile y un canto extremadamente amenazante y que asustaba y llenaba de miedo a los propios antidisturbios. El inicio del tema anterior a este párrafo es una grabación de los cantos que y el ruido provocado por los pasos correspondientes al baile que sirve de introducción al tema "Kramat", de Abdullah Ibrahim.

El Apartheid es un gran ejemplo de la ligazón entre música y movimientos políticos y seguramente es uno de los más bonitos. Sería realmente difícil entender determinadas corrientes políticas y sociales sin la música (y no me refiero aquí a la sintonía del PP) que les acompaña, que las despierta, que las motiva y que las conciencia. La música demuestra no ser puro entretenimiento y levedad sino todo lo contrario: un elemento grave e importante en el desarrollo dela historia del ser humano.

*He construido, para quien le interese, una  lista musical con todos los temas del documental, a excepción de "The Untold Story" de Sibongile Khumalo, el cual no pude encontrar de ninguna manera, ya que no hay forma de acceder a todos ellos como un único álbum, a pesar de  que el tag con el álbum está bien puesto. Espero que os sea útil.

Antònia Font - Wa Yeah + Astronauta Rimador

Antònia Font se ganó a medias este nuevo post, repitiendo artista dos días seguidos por primera vez en el blog. La cosa es que cuando se lo ganó, se lo ganó mucho. La primera parte del concierto, como anunciaba el subtítulo - presentant el seu nou disc "Lamparetes" - consistió en la tocada íntegra del álbum, a excepción del tema instrumental "Minutos Musicales", que a mi me gusta bastante, pero que quizá en directa hubiera quedado un poco descolgado. Así pues, esta primera mitad quedó un poco floja, tanto por que, como ya comentaba ayer, el disco es algo más flojo que el resto de su discografía, como porque el público no estaba tan entregado como lo estaría después. Aun así, no todo es negativo, a mi me sirvió para seguir cogiéndole el gusto a la cosa que va subiendo, aunque a poco a poco.

Sin embargo, la segunda mitad fue fantástica. Se dedicaron a tocar grandes temas como "Alegria..." y "Dins Aquest Iglú", del disco "Alegria"; "A Rússia" y "Tots es Motors" del "A Rússia"; "Love Song", "Tokio m'es Igual" y "Darrera una Revista", del "Batiscafo Katiuscas" y "Armando Rampas", "Robot" y "Portaavions", del "Taxi". Sin embargo el momento puntero llegó sin duda con "Wa Yeah" que se ganó los eternos aplausos del público, los cuales obligaron a la banda a un bis que estuvo más que a la altura,  "Astronauta Rimador", con un final más cercano al Noise-Rock que al pop típico de Antònia Font. Ésta volvió a encender al público que les forzó a otro bis, esta vez "Calgary 88", del último disco y la cosa pareció volver a apagarse.

La conclusión parece clara. Por ahora, "Lamparetes" queda muy por debajo del resto de la discografía de la banda. Quizá el tiempo lo termine levantando pero es irrelevante, el grupo tiene material suficiente como para levantar cualquier concierto que haga, por mucho que decaiga.

Antònia Font - Icebergs i Guèisers

Hoy nos vamos de concierto y en el blog lo habremos de celebrar un poquito. La verdad que acudo un poco de agridulce porque voy a ver un grupo que me encanta, Antònia Font, pero en la presentación de un disco que aun me tiene bastante dudando. "Lamparetes" es un disco que suena muy Antónia Font pero al que le falta algo. Le faltan, a mi modo de ver, los estribillos tremendamente pegadizos de los que siempre ha hecho gala esta banda y la fantásticas y surrealistas letras obra de Joan Miquel Oliver. La ausencia de lo segundo se debe a la voluntad del mismo letrista: buscaba un cambio, contar historias, hacer letras más entendibles por el público. La mala noticia es esa, la buena es que no se debe a ninguna pérdida de capacidad. De lo primero, los estribillos, no tengo razón aparente y si que puede ser eso una mala noticia en su totalidad.

Sin embargo, me voy dando cuenta, tras las diversas escuchas del disco, y es que Antònia Font se ha ganado sin duda unas cuantas escuchas insípidas, que el disco tiene cositas interesantes. Melodías, ideas, y algunas de las letras que se apoyan más en el detalle que en la totalidad. Me gusta mucho, por ejemplo, este "Icebergs i Guèisers", que parece contestar con fuerza a las quejas hechas en el primer párrafo: una letra más bien difusa (aunque muy dada a la interpretación en forma de defensa ecológica) y un buen estribillo para quedarse cantando durante todo el día.

Dos consejos. El primero para los ya fans de la banda: enfrentaos al disco con calma y con vista en los detalles de las canciones. El segundo, para los no conocedores de Antònia Font: volved atrás y coged cualquier, y con cualquier quiero decir cualquier, disco anterior a éste, de lo contrario podriais encontraros con una barricada difícil de superar en el inicio de un bonito camino como es la música del grupo mallorquín.

Radiohead - Lotus Flower

Radiohead y la libertad creativa son dos conceptos muy hermanados. Radiohead es un grupo que ha conseguido lo que muchos anhelan: ser lo suficientemente grandes como para autoproducirse, venderse como quieran y dejar de lado toda presión discográfica. Esto les da autoridad para hacer lo que vienen haciendo desde el "Kid A": experimentar y profundizar en nuevos estilos musicales. "King of Limbs" es el último ejemplo. Un disco basado en la lentitud y la repetición. Yo diría que es un álbum ciertamente oriental. Me recuerda a los mantras usados en la relajación: frases que se repiten y repiten y que sumergen a la mente en un estado de conciencia diferente al habitual. Y eso es lo que consiguen Radiohead, especialmente durante las cuatro primeras pistas para desembocar en "Lotus Flower", donde se da paso a la aparición de nuevas capas y melodías, aun así de forma muy mínima, que estarán más presentes en la segunda mitad del disco.

Radiohead - Lotus Flower por h0nki

Un muy acertado primer single con un videoclip que es ya mítica gracias al poco ortodoxo baile de Thom Yorke que hipnotiza casi tanto como la música. Una letra críptica que tiene versos tan extraordinarios como "We will sink and be quiet as mice/While the cat is away and do what we want/Do what we want". Y a eso es a lo que se dedica Radiohead, ser silenciosos y hacer lo que quieren. No dan ruido, no dan noticias irrelevantes de estrellas del rock. Hacen lo que saben y lo hacen tremendamente bien.

Víctor Jara - Plegaria a un Labrador

Después de algún tiempo en mi lista de películas pendientes he visto "El Derecho de Vivir En Paz" (un documento consternador y muy pero que muy recomendado) y aun estoy algo afectado por el visionado y la cruenta e injusta historia de uno de los cantautores reivindicativos más importantes de la historia. En este contexto se me hace bien complejo el escoger un tema para mostraros aquí así que un poco aleatoriamente he escogido una de mis favoritas, si pudiera siquiera hacer una lista.

"Plegaria a un Labrador" me gusta porque es un tema que me resulta extremadamente lejano y desconocido y, aun así, es capaz de llegarme a lo más profundo e impregnar mis sentimientos de la reivindicación popular y de la tierra que acompañabra a Víctor Jara en toda su obra.

Pero Jara no es únicamente un cantautor folklórico y de ámbito regional, como se deduce obviamente de su popularidad mundial, y esa es precisamente su magia. La capacidad de transmitir lo más propio a aquellos que son ajenos y de mirar hacia lo ajeno y hacerlo propio. Con "Plegaria a un Labrador" hace lo primero y a lo segundo nos referiremos otro día, quizá bastante pronto.

The Carter Family - Are You Tired Of Me My Darling

Hablemos de The Carter Family, de su música y de la foto de arriba. ¿Por qué ese rollo tan sombrío? Hay que admitir que dan un poco de mal rollo en un inicio pero con el tiempo se pasa y se aprende a admirar la calidad que tenían como músicos y como compositores. La primera vez que escuché este tema fue hace una eternidad de años, pero una eternidad corta, como de unos 14 años aproximadamente. Mi hermana rondaba mucho el primer disco de Javier Álvarez, uno de los cantautores más personales y más atrevidos del panorama musical del estado español, y en los bonus tracks aparecía una versión de "Are You Tired Of Me My Darling". Mi ignorancia infantil y la falta de medios hicieron que viviera engañado hasta no hace tanto, cuando descubrí uno de los más importantes grupos de la historia del country.

Y ese look sombrío fue lo que más me impactó, porque en comparación con la suave voz de Javier Álvarez, el profundo y grave toque que le dan sus performadores originales llega hasta el fondo del alma y te hiela por unos segundos todo órgano capacidatado para producir o sentir emociones. Eso junto a la letra y la guitarra que se arrastra pese al saltarín ritmo propio del ritmo country, hacen que este tema transmita a la perfección la idea de desesperanza y rendición, la tristeza que da el saber que no hay solución posible frente a un desentendimiento. Sin ninguna duda, una de mis canciones favoritas de The Carter Family.

Of Montreal - Your Magic Is Working

He empezado un bonito intercambio de canciones con una amiga. Yo le comenté que "First Day Of My Life" de Bright Eyes, la cual ya he comentado en este mismo blog, era la mejor y más bonita canción de amor existente y ella estaba convencida de que había otras, aunque tuvo que admitir el nivel de la composición de Conor Oberst. De esta forma comenzó la historia y aun estamos en las tercera ronda pero la cosa pinta bien (han salido, por ejemplo, "Thank You" de Led Zeppelin o "Wouldn't It Be Nice" de The Beach Boys). De esta forma, esta entrada entra a participar del juego y así pues mato dos pajaros de un tiro.

"Your Magic Is Working", dentro del más valorado álbum de Of Montreal, "Satanic Panic In The Attic" es una pieza rebosante de alegría y brillo. Es la canción perfecta para escuchar los dos o tres primeros meses de una relación. Es pura euforia y realmente capta el momento donde la sonrisa no se te borra de la boca y tu vida parece no haber estado nunca más cercana a la absoluta perfección. Todo una falacia con el paso del tiempo, pero se disfruta igual.

Vale, no es una balada lenta, bonita, para abrazarse y bailar sino todo lo contrario pero eso justamente es el amor eufórico: una serie de sucesos precipitados donde nada importa mucho y todo pasa rápido. No se piensa, solo se disfruta.

The Cure - Close To Me

The Cure siempre se ha distinguido por una cualidad asombrosa: fueron capaces de mezclar lo oscuro y lo siniestro con un pop sobresaliente. Ésta es, a priori, una mezcla complicada pero que a ellos siempre se les ha dado de lujo y que, con el paso de los años, pese a la caída de nivel en las composiciones (no hay comparación entre los The Cure actuales y los de los 80 y principio de los 90), siempre ha constituido la seña de identidad de la banda.

"Close to Me", publicada en uno de sus discos más reconocidos, "The Head on the Door", siendo uno de sus versos el que da nombre al álbum ("If only I was sure/That my head on the door was a dream"), es un gran ejemplo de la combinación de la que antes hablaba. Mientras que la letra, la melodía vocal y la linea de bajo nos estiran hacia lo oscuro, los teclados no paran de hacer presión hacia la luz. Incluso, en una versión posterior, la publicada en "Standing on a Beach/Staring at the sea" (el primer título fue el dado a la versión en vinilo, el segundo a la versión en CD), se añade una sección de viento metal que parece que haya de montarse una fiesta de un momento a otro.

The Cure - Close To Me por manon42

El video, aunque no es ninguna virguería, aporta una dimensión más a la canción. Los cambios de plano van jugando para hacerte caer en cada detalle, en cada instrumento, en cada sonido que tiene un papel en la canción. Desde la linea de bajo, las palmas o los teclados  hasta la susurrante voz de Robert Smith o los aun mas susurrantes coros de la banda. Todo se vuelve importante y relevante, te hace caer en que sin cada uno de esos elementos la canción no sería la misma.

Russian Red - Fuerteventura

Lo nuevo de la cantautora más indie de todo el estado español se está haciendo esperar, pero está cada vez más cerca. Tres años son muchos para como está la industria discográfica pero Russian Red lo ha compensado con conciertos y más conciertos. Es algo que debieran hacer todos los artistas: tomarse su tiempo de cara a la composición. Parece que a Lourdes Hernández, el nombre que se esconde detrás del psudónimo Russian Red, le ha dado resultado ya que las dos canciones que hasta el momento hemos podido escuchar suenan pero que muy bien. Primero fue "I Hate You But I Love You", de la cual se sacó una edición digital el 22 de marzo y ahora "Fuerteventura", el tema que da nombre al disco y que se puede descargar de su página web con tan solo suscribirse al newsletter. Pues yo me suscribo encantado, oye.

El nuevo disco ha sigo grabado en Glasgow junto a Tony Doogan, quien ha producido a grupazos como Teenage Fanclub o Belle & Sebastian (incluso algunos músicos de esta última banda han participado en la grabación, tal y como nos cuenta la misma Lourdes en el video del making off del disco). Y se adivina una evolución en el sonido que parece ganar en cuanto a elaboración y, sin dejar de lado la personalida de Russian Red, quizá abandone el sonido extremadamente intimista que tenía el primer album, el fantástico "I Love Your Glasses". La cosa promete y habrá que escuchar el disco entero, que parece que será publicado el 24 de mayo, para confirmar lo que parece más que plausible: Russian Red da un paso más y es un paso firme.

Joanna Newsom - Peach, Plum, Pear

He considerado a Joanna Newsom desde el primer día como uno de esos artistas privilegiados que tienen el elemento diferencial necesario para destacar por encima del resto. Dentro de la música se puede tener un talento y unas capacidades musicales extraordinarias pero eso no es para mi el elemento diferencial. Este puede ser, en mi opinión, muchísimas cosas, es un elemento indefinido pero que cuando lo escuchas o lo ves sabes que lo es. Para mi, en este caso, son dos los que hacen de Joanna Newsom una cantautora a la que admirar. El primero es un elemento de capacidad: el uso que hace de su voz y la personalidad que le imprime está fuera de toda duda, aunque no te guste como lo hace. El segundo es de puro ingenio: el uso del harpa como instrumento principal a la hora de hacer pop-rock.

"Peach, Plum, Pear" es una historia de encuentros y desencuentros, de personas absurdas que bailan sin fin en el espacio cotidiano y en el emocional perteneciente al primer disco publicado por Newsom, "The Milk-Eyed Mender". Seguramente el más accesible de los tres que tiene, pero en ningún caso el de menor calidad. Joanna se ido atreviendo con temas más largos (en su segundo disco, "Ys", e incluso con un triple CD en su última publicación , "Have One On Me" (CD 1, CD 2, CD3), el cual puede llegar a saturar bastante si uno no se lo toma un poco con calma. 

En ningún caso, sin embargo, se pierden las cualidades que hacen grande a la música de esta mujer: bonitas melodías, temas complejos y letras con contenido.

Os Mutantes - Bat Macumba

Os Mutantes es, sin ningun tipo de duda, uno de los grupos más locos de la historia de la música. Es una banda que requiere de todos tus sentidos abiertos a la posibilidad. Cuando los escuchas nada puede ser descartado, desde el sonido más suave al más estridente, de la melodía más repetitiva a la más caótica, del solo más convencional al más extraño. Justo eso es lo bonito de Os Mutantes, que se esfuerzan (o al menos me da esa sensación, quizá cagaran estas canciones como cualquiera se pone los zapatos por la mañana) en cada canción por encontrar un elemento nuevo, o cinco, que convierte ese tema en único e irrepetible. A mi modo de ver, cada uno de sus temas es una canción para el recuerdo, para enmarcar y esto se debe a que ninguna se agarra a las estructuras musicales tradicionales en su composición sino todo lo contrario, huyen de ellas aborreciéndolas y dándonos toques de delicia sorpresiva, una tras otro.

Y la sorpresitas que nos trae "Bat Macumba" son varias. Para comenzar, un bajo fantástico, aunque no tiene nada de extraordinario en comparación con el resto de elementos. Me encanta ese solo de guitarra estridente donde parece que el isntrumento se haya de romper de un momento a otro y que va despegando a lo largo de toda la canción o las percusiones tribales. Pero lo que más me ha sorprendido es que la letra es capicua tal y como se puede observar aquí. Me encanta.

Y esta es la dinámica que guardan todas las canciones de esta banda y de la cual caerán más de dos y de tres mientras este blog siga vivo. Espero que la disfruteis.

El principio del fin de Spotify

Hoy creo que merece la pena hacer un parón para comentar una muy mala noticia para muchos de nosotros: las restricciones de Spotify en Spotify Free y en Spotify Open se hacen mucho más estrictas. De hecho, lo suficiente como para que Spotify deje de ser una alternativa real a la piratería. Los usuarios con cuentas Free y Open solo podrán escuchar 10 horas de música al mes (antes eran 20 h. para open e ilimitadas para Free) y, lo que es aun más duro e incomprensible, solo se podrá reproducir cinco veces una misma canción. El mensaje detrás de esto es muy sencillo: "bueno, chicos, ya os tenemos a todos en el bote así que o pagais o a la puta calle". La única opción viable para seguir usando Spotify es hacerse una cuenta Premium o Unlimited.

En el post que han publicado en su blog, se escudan en la necesidad de hacer Spotify mejor y más accesible a todos (?). Aunque ello fuera verdad, nadie puede pensar que no hay una razón económica mucho más grande que las únicas que la entrada comenta. Esto convierte a los responsables de Spotify en mentirosos. Creo que el resultado será claro: Spotify dejará de ser el fenómeno social que fue desde que comenzó el proyecto para convertirse en una servicio que alguna gente utilizará, aunque no demasiada.

Sin duda, este programa, ha supuesto la mejor alternativa a la industria musical tradicional y obsoleta y creo firmemente que nació con la empresa y la intención de batirla. Con el paso del tiempo y la lluvia de usuarios este objetivo se ha ido diluyendo para convertirse en una empresa más donde lo que prima es lo económico. ¿Comprensible querer sobrevivir en un mundo capitalista? Si, por supuesto, pero a mi punto de ver no tiene sentido apoyar una iniciativa que se vuelve hacia el sistema después de haber nacido como alternativa a él.

Para finalizar, decir que es una pena que esto haya terminado así después de todas las buenas palabras que he dicho siempre de este programa y la promoción que le he dedicado por puro amor a la música. Mi único deseo para Spotify a partir de ahora: que no hagan dinero suficiente para sobrevivir como empresa.

Bright Eyes - Jejune Stars

Hace ya un par de mesecitos que salió al mercado "The People's Key", el séptimo disco de estudio de Bright Eyes, el cual yo esperaba desde hace tanto tiempo tras los, en cierto modo insulsos,* escarceos de Conor Oberst con otros proyectos como Conor Oberst and The Mystic Valley Band o Monster of Folk. Además los rumores dicen que este será el último disco de Bright Eyes como tal. en palabras del propio Conor Oberst, es un proyecto al que hay que ponerle punto y final en algún momento. La verdad que sería una muy mala noticia si no fuera porque se que Conor Oberst seguirá haciendo cosas y, al final, es bien sabido que una muy gran parte de Bright Eyes no era más que Conor Oberst y su genio compositivo.

El disco ha dado un giro bastante grande, aunque ya venían dándose estos giros en los últimos discos ("Digital Ash In A Digital Urn" o "Cassadaga") que comenzaban a alejarse del sonido acústico e intimista de gran parte de su obra. Pero, tal y como demuestra lo que aquí os traigo, Conor Oberst también se maneja bien en claves más pop-rockeras con estribillos pegadizos y muy buenos riffs. Pero sobre todo lo que no abandona Conor Oberst es su habilidad como letrista, la cual pone de manifiesto a lo largo de todo el disco.

*Con motivo de la escritura de este post he recuperado la escucha del primero de los que publicó con The Mystic Vally Band y de insulso nada. Está bastante, bastante bien. Habrá que revisar los otros.

Badly Drawn Boy - Year Of The Rat

"Year of the rat" no es uno de esos grandes temas de la historia de la música, de hecho se sitúe probablemente en la lista de temas bastante mediocres. Para aclarar este concepto, cuando uso mediocre me refiero a neutro, "de calidad media" dice la RAE en su primera acepción, siendo la segunda negativa.  Yo en mi afán positivista me acojo a la primera. De todos modos, es un tema que es bonito de escuchar, melódico, con los coros infantiles. Coge incluso toques de himno en determinados pasajes, de canto, de llamamiento. Eso es genial porque esta canción es justo lo que es: un llamamiento. A la fraternidad, a la unión. Y esa es la parte más grande de la canción porque, acompañada con el videoclip, es capaz de emocionar y mucho.

Damon Gough, el ente pensante detrás de Badly Drawn Boy, se soluciona el mundo entero a base de abrazos. Es más que probable que sea utópico (mi vena empirista me dice que hasta que no se pruebe no se puede saber), pero creo que los abrazos ayudarían de alguna forma. No se vosotros, pero yo tengo ganas de dar abrazos ¿Alguien se ofrece?

General Elektriks - Raid The Radio

General Elektriks es el proyecto iniciado por el compositor de origen francés Hervé "RV" Salters, afincado en Berkeley, San Francisco, California. Es un proyecto bastante interesante del que él es el único compositor e integrante a la vez que todo comenzó con medios propios (eso quiere decir un ordenador, un teclado y un micrófono).

El tema que os traigo lo descubrí por pura casualidad en Spotify teniendo la página de no se que artista abierta en aleatoria lo cual hizo que la reproducción cayera en un recopilatorio que contenía "Raid the Radio", de GE. Cuando lo escuché el detector de música interesenta se activó y me di cuenta que había descubierto algo. La confirmación me vino cuando no me pude quitar el silbido de la cabeza durante una semana. De ahí a escuchar el último disco completo y hacerme con unas cuantas joyas para mi colección.

La canción es una simple crítica a la radio fórmula. Me encanta cuando comienza la parte de "Free the DJ's" (me recuerda a Rock&Gol, donde hace no mucho ha sucedido completamente lo contrario). El video se toma la licencia de cambiar el final de la canción, lo cual resulta sorpresivo porque han cortado todo la subida del final. Os recomiendo que si teneis un rato escucheis la versión íntegra.

Bob Dylan - Friday*

Todos los que nos conectamos a Internet con cierta frecuencia hemos sufrido el video de Rebecca Black cantando "Friday". Una apología de la vida adolescente con una fórmula pop excesivamente manida y que tras tantos años de repetición solo gusta a aquellos que no vivieron los anteriores ídolos: los adolescentes. Por esa razón, probablemente, sea una fórmula inagotable y que condenará a generación tras generación a sufrir durante una época a estos prepúber es adolescentes. Sin embargo, lo de Rebecca Black, probablemente responsabilidad de su productores y agentes, ha ido quizá un poco más allá que el resto. Se hacen versiones de todo tipo, unas más sacrilegio que otras, pero atribuirse un tema inédito de un artista tan grande como Bob Dylan y tergiversar todo el significado que él ponía en sus canciones quizá sea de las estrategias comerciales más viles, a la vez que creativas, que he visto.

Todo comenzó como un rumor en Internet pero a base de testimonios y gracias a la inconfundible voz de Bob Dylan la cosa comienza a quedar algo más clara. Por lo visto, fue una composición que realizó para Jimi Hendrix, razón por la cual Dylan nunca llegó a grabar una verdadera versión de estudio. Cuando Jimi Hendrix murió, Dylan decidió no recordar la grabación por todo lo que suponía, cayendo la demo en el olvido y que ahora ha sido recuperada.

En manos de Dylan la estúpida letra de Rebecca Black se llena de un trasfondo social y espiritual solo propio del pionero del folk-rock estadounidense. Algunos interesantes análisis que encontramos en la red:

"I heard this song for the first time before the march on washington. It was a very strange time, and everything felt like it was going in slow motion. Then this song came on, and it happened to be a friday. This song reminded us that change will come"

"I completely agree that this is ‘quintessential Dylan.’ I believe that ‘Friday’ symbolizes enlightenment that everyone is ‘so excited’ about, and that ‘partying’ is a metaphor for universal spiritual connection. Dylan describes the dilemma we face between forward-thinking enlightenment and backward-thinking prejudice in the powerful metaphor about ‘front seat’ and ‘back seat’ and his indecision in the question ‘Which seat should I take?’ Definitely Dylan’s."

"Guys, this is obviously a song about the different paths in life. The “front seat” refers to rushing at everything, with no thoughts of the consequences. The “back seat” refers to sitting back and contemplating your choices. As a result, you make wiser choices, but your life lacks the excitement it would have if you took the front seat."

A veces la vida nos da sorpresas y esta es claramente una de ellas. Que el mundo descubra gracias a Rebecca Black este temazo de Bob Dylan demuestra que el funcionamiento del mundo es cada vez más caótico e incomprensible. Pero bueno, al menos tenemos emoción. Parece que hemos elegido el "front seat".

 *Post en colaboración con Jose Rios

Twenty Sixty Six And Then - Autumn

"Autumn" es un temazo en muchos sentidos. Por calidad, que es lo que siempre andamos buscando, pero también por los 9 minutazos, un rasgo típico del hard rock progresivo de la época. Es un género que me encandiló durante mucho tiempo y ahora tengo un poco abandonado, pero que siempre tengo en la récamara. Nunca faltan dos o tres buenos discos de rock progresivo en mi mp3. "Reflections", de Twenty Sixty Six And Then (queda claro que para ser progresivo se debe empezar por tener un nombre muy progresivo) acostumbra a ser uno de ellos. Es un disco que descubrí gracias a un magnífico blog que ahora, lamentablemente, está desaparecido pero que era de lo mejor que nunca vi en el género. De cualquier modo siempre nos quedará progarchives.com (pese a que esta banda no aparece, es el mejor archivo de rock progresivo que hay en la web sin ninguna duda).

El tema empieza con una larga intro, usual en el género, que desemboca en riffs guitarreros apoyados en la seca melodía que ofrece el órgano y que nos lleva mediante un bajo muy trabajado a la parte vocal. Una melodía de voz que rasga lo justo y necesario y que mantiene el nivel de la canción, a través de la estrofa y el estribillo, hasta dar lugar a un solo de guitarra muy hard rockero apoyado en escalas y bendings que nos devuelve, como si hubiera sido un simple lugar de paso, a la parte vocal de nuevo. Y ahora viene una de mis partes favoritas: la música se acelera, se vuelve trepidante y la melodía pierde todo su contenido verbal para pasar a ser una parte más de la melé de instrumentos que nos lleva a la parte relajada de la canción, a la parte pacífica. Un teclado muy fino acompañado de una flauta lejana y una voz que habla más que cantar, actuando desde el susurro. Un solo de mano lenta y unas voces corales nos llevan a un final muy acertado. No se vosotros, pero a mi los 9 minutos se me han pasado volando.

Igual os la he torrado un poco, ¿verdad? Creo que es cuestión de género (en sentido musical, por más que todo siempre sea cuestión de género). Una de las cosas que más me gusta del rock progresivo es apreciar las capas, analizar profundamente las partes, dividir las canciones en pequeñas partes para poder absorverla al completo. Esa es mi opción, quien quiera la tome, quien no que se quede con lo guay que suena la canción y quien aun menos que cierre la ventana instantaneamente (igual es tarde para eso a no ser que leais desde el final). Cualquier opción es tan buena como la anterior.

The Stone Roses - (Song For My) Sugar Spun Sister

Todos los que hemos escuchado el álbum debut de The Stone Roses y lo hemos disfrutado viviremos bajo el peso y la felicidad de saber que es un disco irrepetible. Que lo que hicieron estos chicos fue cosa de un disco y que, tal y como quedó claro con el segundo disco, "Second Coming", donde The Stone Roses parecían una banda totalmente diferente. Cinco años entre disco y disco son muchas y eso pasa factura además de diversos factores ajenos a la banda que creo debieron influenciar fuertemente el proceso de composición (paternidades o muertes de amigos cercanos). De todos modos, tenemos la suerte de que "The Stone Roses" sucediera y de que sea lo suficientemente bueno como para ser escuchado por toda la eternidad. En un disco bueno de principio a fin he aprovechado para dejar los cince singles de lado e irme a buscar una fuera de ese grupo aunque ya sabemos que podría haber sido cualquiera.

¿Qué decir de la canción? Tiene ese sonido pop clásico del álbum y uno de los mejores estribillos de todo el disco (me he pasado la mañana silbándolo y eso que no se silbar, pero es que las entrañas me lo pedían). Cuenta la historia de un enamoramiento con una chica de un puesto de nubes de azucar en una feria (podría ser literal aunque por ahí se lee sobre metáforas relacionadas con drogas o prositución).

Para los que no hayais escuchado nunca el disco, es buen momento de hacerlo, para los que ya lo hayais hecho, es buen momento, igual que siempre lo es, para rememorarlo.

The Dodos - Companions

Hace bien poquito, menos de un mes, que se publicó el nuevo disco de The Dodos (una banda de la que ya he hablado aquí anteriormente). Después del decepcionante "Time to Die" donde The Dodos daban un paso extraño, un paso en falso, después del magnífico "Visiter", este disco ya promete más desde la primera escucha. Yo aun estoy sumergiéndome pero parece que la cosa marcha bien y que esta relación puede funcionar. El disco me llama y yo le llamo, tiene partes que se me graban en la mente, títulos que no se marchan y ritmos que pululan a mi alrededor de forma espontánea. La ligazón ya está hecha, solo hay que dejarla fluir. Así pues, antes de grandes juicios, quería bautizar este nuevo álbum en Música Regular.

"Companions" fue seguramente, pese a ser la novena en sonar, la primera canción que se agarró a mi con fuerza. Creo que es probablemente por el riff de acústica inicial, el cual me parece uno de los más interesantes que he escuchado últimamente, además de ser recursivo y seguir visitándonos, a parte de como intro, en cada uno de los estribillos donde la letra se pierda para dejar paso a unas voces lejanas, perdidas, que armonizan con el resto de la lírica: una petición débil, lejana, como esas voces del estribillo. Una propuesta que parece que desde el principio está condenada al fracaso pero que debe ser, Es Muss Sein, que diría Kundera en "La Insoportable Levedad del Ser" parafraseando a Beethoven.

Hay veces que las cosas deben ser pero no estamos convencidos de ello, tenemos dudas, y por eso las acciones que se llevan a cabo son débiles, como sin fuerza, como tristes y decaidas. Hay una potencia, un impulso pero que es apagado por las preguntas y las interrogaciones. Esa es mi interpretación de "Companions" y me gusta, aunque eso acabo de decidirlo ahora.

Girls - Hellhole Ratrace

Estamos de acuerdo en que Girls fue uno de los grupos revelación, no solo de 2009 sino de la última década y que "Album" fue uno de los mejores discos debut así que tampoco voy a decir nada nuevo aquí sobre lo que hace esta gente. Sin embargo tengo ganas de hablar un poco de este tema, "Hellhole Ratrace", que me parece que es el mejor tema del album, aunque muy seguido de cerca por la fantástica y breve descarga que supone "Lust for Life". No es que el resto del album ("Album" es un album, se hace raro, que imagino que es lo que ellos querían, y resulta bastante obvio pero creo que merecía la pena evidenciarlo) sea malo, en absoluto, es un discazo tremendo de principio a fin, pero estos dos temas se elevan por encima del resto habiéndose convertido ya, al menos para mi, en nuevos clásicos.

¿Y porque es tan bueno este tema? A parte de ser una buena composición, suave, bien hecha, con una subida lenta y que no sube tanto, pero que mantiene al oyente pendiente de lo que sucede. Yo creo que la combinación de ese ritmo lento propio de canciones tristes con una canción que es, cierto, lo es también, pero que está llena de esperanzas, de buenas intenciones y que, combinada con las imagenes del videoclip, deben cumplirse si o si, si es que aun no se han cumplido.

¿No os hace el video (dirigido, como la mayoría de sus videoclips, por el amigo de la banda, Aaron Brown) querer revivir todas las noches de fiesta de vuestra vida? Poder disponer de ellas como si fuera un catálogo de recuerdos a revivir donde los buenos momentos están siempre a disposición de uno mismo para optar a la felicidad eterna. Sería fantástico, aunque utópico, obviamente. Lo genial es que esas noches (o días) son susceptibles de suceder a cada momento para, acto seguido, incorporarlas a ese catálogo de momentos vividos irrecuperables pero accesibles por  a la memoria por siempre.

Vincent Delerm - Natation synchronisée

Acabo de descubrir que han incorporado la discografía de Vincent Delerm a Spotify y me he puesto la mar de contento. Es un artista que he estado escuchando desde que lo descubrí hace medio año gracias a mi idolatrada Radio 3 y el no poder disponer de él en mis listas o sin tener a mano mi colección de música me creaba cierta incomodidad. La cuestión es que había que celebrarlo de alguna manera y que mejor que esta. Tenía serias dudas de que canción elegir. Esta es de las más conocidas pero dado que creo que no es demasiado popular fuera de Francia creo que a casi todo el mundo que no sea francés podrá resultarle una buena aportación.

El tema empieza con un juguetón ukelele al que se le une un también juguetón contrabajo. Poco a poco se unen las capas: voz, cuerda frotada  y viento metal. Una letra repleta de referencias culturales especialmente comunes y que culmina siempre en un estribillo que hablar de los paralelismos amorosos en las vidas de diferentes personas.

El videoclip no deja de resultar gracioso con los múltiples Vincents Delerms haciendo chorradas, sincronizados, siendo uno y muchos a la vez pero que al final terminan volviendo al original, aunque no del todo. ¿Quizá los paralelismos no son tanto paralelismos como la misma cosas por el mismo camino pero con diferente nombre hasta que nos damos cuenta? Probablemente esté sobreinterpretando pero que hostias, por qué no, yo sobreinterpreto lo que quiero que para eso está el arte, para sobreinterpretarlo, malentenderlo y disfrutarlo.

Queen - '39

Este tema de Queen es probablemente uno de los menos Queen por la ausencia de ese toque operístico tan característico que siempre han usado durante toda la carrera y que tan buen resultado les daba. Un toque que alcanzaban, probablemente, gracias a la que, seguramente, es la mejor voz de toda la historia del rock. Sin embargo es, claramente, uno de los mejores temas que nunca compusieron. Desde el principio de la composición, Brian May ya buscaba hacer algo diferente teniendo en mente hacer un skiffle, un género popular nacido en la primera mitad del siglo XX en los Estados Unidos resultado de la influencia de diversos estilos reinantes en el momento (jazz, blues, folk, country) y en sus inicios tocado con instrumentos caseros o improvisados.

Es curioso el contraste de un género tan popular con la historia relatada por May, dentro del género de ciencia ficción y que relata la historia de unos viajeros del espacio que parten de la tierra y, al volver, debido al efecto de la Teoría de la Relatividad de Einstein, encuentran que todo su mundo y las personas que habían conocido había desaparecido.

Anna Karina - Jamais Je Ne T'ai Dit Que Je T'aimerai Toujours

Joder que gran día fue aquel en que vi "Pierrot le Fou", de Jean-Luc Godard. Descubrí tres cosas que añadir a mi lista de cosas favoritas de golpe: "Pierrot le Fou" se fue a la de películas, Jean-Luc Godard se fue a la de directores de cine y la inconmensurable Anna Karina se fue a la de personas a las que adorar. Una persona que actua, canta y escribe no puede ser metida en ninguna lista en particular. Es curioso cuando descubres artísticamente a alguien que ya ha desarrollado practicamente en su totalidad su carrera artística (Anna Karina tiene a día de hoy 70 años). Por una parte tienes a tu disposición todo un mundo y una obra por descubrir pero por otra parte sabes que ya no habrá más, que nunca vivirás el tiempo ni el ambiente que acompañaron a tal portento. Lo bueno con Anna Karina es que su obra es suficientemente extensa, en especial su filmografía, como para tardar un buen rato en acabarla. Y encima musa de Godard. Mientras repasas todo lo hecho, te llevas dos por uno, así de fácil.

"Pierrot le Fou" tienes tres canciones cantadas por Anna Karina y dos de ellas me vuelven loco. Ésta y "Ma Ligne De Chance" (que llegará, en otro momento, seguro). He elegido esta porque es una temática a la que le llevo dando vueltas un tiempo debido a las tradiciones imperantes respecto al amor  en estos momentos. Yo cada vez me creo menos el amor eterno y la idea del día a día que cuenta la canción es la única posibilidad que me convence. Y que Anna Karina me cuente mis propias ideas con esa dulce voz e imaginarme que yo soy Jean-Paul Belmondo (mucha imaginación tengo a veces) es una idea absurda pero que me dibuja una sonrisa instantanea en la cara.

Pendulum - Showdown

Un buen bailoteo y hacer deporte tienen muchas cosas en común: te mueves, actuas, no piensas, sudas, sueltas toxinas y tu cerebro segrega mogollón de drogas naturales que molan un montón, colocan y son gratis. Por eso para mi, a nivel musical, siempre ha habido una paralelismo entre la música que me gusta escuchar cuando voy a correr y la que hace que me menee como un loco en la pista de baile (cuando doy con una pista de baile decente, lo cual no es tan a menudo como quisiera). Y Pendulum, tanto para correr como para bailar, ha sido uno de mis últimos grandes descubrimientos.

Salir de casa y sentir que las piernas te van solas, llevadas en volandas por la batería es una sensación tremenda. No soy un super fan del drum 'n' bass, pero Pendulum me tiene enamorado. Por la fuerza de sus canciones y porque tiene una propuesta mucho más elaborada que otros representantes del género con melodías de sintetizadores muy curradas y lineas de voz bien trabajadas y pegadizas. Ya sabeis, querais pegaros un baile o echaros una carrera, Pendulum es una buena idea.

Bob Dylan - Don't Think Twice, It's Alright

Me encanta, como podreis notar si seguís este blog, analizar como se descruben las canciones, como llegan a mi y desde entonces las adoro. Muchas veces las busco y las encuentro y otras llegan de manera casual, sin darme cuenta, me topo con ellas y se quedan grabadas en la mente por siempre. Hace un par de semanas fui a una exposición fotográfica sobre Federico Fellini, organizada por el CaixaForum. Había unos cuantos puntos del recorrido donde había videos y en uno de ellos, perteneciente al documental sobre el making-off de "Satyricon", "Ciao, Federico!", el actor Max Born era filmado tocando esta canción de Bob Dylan. Quedé inmediatamente atrapado por la melodía de voz y la guitarra.

El tema es simple, con una estructura que se repite a lo largo de la canción. Una base de fingerpicking que corre por debajo de una melodía de voz arrastrada al más puro estilo Dylan y con la ocasional intervención de la típica harmónica que le da el toque folk necesario en las canciones del cantautor americano por antonomasia.

Adele - Someone Like You

El primer disco de Adele me dejó impresionado por sus bonitas y variadas composiciones, de una muy alta calidad pero, sobre todo, por la impresionante voz que expulsa esta fantástica cantante por cada uno de sus poros. Así pues, después de un primer disco de ese calibre, siempre estoy deseoso de escuchar la continuación, de ver si la flor no es de un día, de ver si he encontrado un artista al que seguir atentamente, cosa que no sucede tan a menudo como quisiera. Para mi satisfacción, en "21" (título acorde con su edad, al igual que su primer disco "19"), el nivel se mantiene alto, no se si si tanto como en su predecesor, pero incorporando ritmos y elementos novedosos en relación a su disco anterior como, por ejemplo, las percusiones y el rollo de "Rumour Has It". De todas formas, el tema que más hondo me ha calado es el que fue su segundo single, "Someone Like You", y que además lo petó bastante en las listas de ventas.

La canción me asaltó con mi mp3 en aleatorio, a las 6:30 de la mañana y paseando por el aeropuerto de Son Sant Joan haciendo tiempo antes de ir a Barcelona. Imagino que los viajes me ponen tontorrón por una parte pero desde que comenzó la canción hasta que acabó no sabría describir que pasaba por mi mente porque no eran palabras, eran todo tipo de sentimientos llevados de la mano por el titilante pero imparable piano y la poderosa voz, esta vez contenida, interpretando a la perfección la situación de la que habla la canción, de Adele.

En cualquier caso, "Someone Like You" me demostró que "21", si no estaba a la altura de "19", si que, al menos, había merecido la pena aunque solo fuera por este tema.

Daniel Johnston - Chord Organ Blues

Daniel Johnston, como es bien sabido, es uno de esos artistas atormentados, genios incomprendidos devorados por sus propios problemas. Sin embargo, su enorme amor por la música y su voluntad han conseguido cosas impensables. Después de años grabando con medios muy pero que muy caseros consiguió ir haciéndose con un nombre en la Austin, Texas, la ciudad donde residia, e ir creando un profundo interés por su persona. Probablemente, al inicio, la música de Daniel Johnston puede dejar un poco confundido por la muy baja calidad de las grabaciones e incluso de las habilidades musicales del artista pero Daniel Johnston va mucho más allá de eso. Daniel Johnston no es solo su guitarra, su órgano y su radio-cassette, el cual usaba para grabar. Daniel Johnston es un personaje, es un derroche, es un tormento, es una historia  de problemas emocionales que se esconde detrás de cada canción. Por ello para mi supuso un antes y un después en el entendimiento de la música de Johnston la visualización del documental "The Devil and Daniel Johnston". Ver cada canción en su contexto, ligada a la mente de Johnston, le otorga a todo una dimensión extra que permite disfrutar su música muy por encima del nivel esperado.

La canción que os traigo es una de mis favoritas. Su amor por la música era uno de los temas recurrentes en sus letras y este es un buen ejemplo. No deja de emocionarme la entrega de la voz de Johnston, poco dotada musicalmente, pero dejándose el 100% en la interpretación de su obra.